Les enfants terribles- Fundación Colección Jumex

Una exposición colectiva que reúne piezas y las deja conversar… luego después, es difícil ingeniárselas para traducir en palabras lo que uno cree escucharlas decir. El método de la curaduría transmitirá la pasión engendrada en el curador y en su manejo y justificación del tema. Fundación Colección Jumex tiene, en mi opinión, la curaduría y la reunión de piezas más impecable, perfecto, mágico e irrepetible de todo México. En cada una de sus exposiciones no deja de sorprenderme, y en esta ocasión, robarme el aliento.

“El genio no es más que la infancia recuperada a voluntad, la infancia dotada ahora, para expresarse, de órganos viriles y del espíritu analítico que le permite ordenar la suma de materiales acumulada involuntariamente” – Baudelaire.

Existen incontrolables maneras de concebir una exposición. Una de ellas parte del texto: habitados por un discurso preciso, hay quienes emprenden la búsqueda de obras capaces de apuntarlo y darle validez. El objeto de arte se transforma entonces en argumento, cuando no es rebajado al rango de anécdota ilustrativa o, peor aún, de anécdota inútil. Les enfants terribles se inspira y refleja el mundo en el que vivimos cuando fuimos pequeños, ese mundo que se crea a partir de la perspectiva en proporciones sobredimensionadas, la ilusión de lo desconocido, el sorprendimiento, torcer y romper, cosas que forman parte de las dichas de la pequeña infancia, la inocencia en si…

El curador Michel Blancsubé resume su idea diciendo…“La impresión de volver a ser pequeño: he ahí lo que me gustaría hacer sentir al visitante”

Las piezas que integran Les enfants terribles gritan mensajes tan íntimos y poderosos que llevan a una reflexiva invaluable, sobre todo el video de Sebastian Diaz Morales llamado Ring (The Means of Illusion) 2007. Una historia cargada de simbolismos, una experiencia de vida. Me sentí terriblemente inspirada por esta obra.

Les aseguro que esta exposición conectará dentro de ustedes ese sentimiento infantil que es necesario para sonreír, ya que aquellos que no han roto el dialogo interior con el niño que fueron, que aquellos cuya memoria excepcional hace de su vida un largo plano secuencia, son amos de su destino.

Lunes a viernes de 10:00 a 17:00 horas. Visita con previa cita al teléfono: 57 75 81 88

-No olviden visitar la biblioteca de arte que tienen. Encontraran libros que ni se imaginan-

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Una fábrica, una máquina, un cuerpo- En el MuAC

Arqueología y memoria de los espacios industriales, pretende establecer un mapa que refleje de que manera la práctica artística ha utilizado la producción industrial como metáfora para explicar la condición del sujeto contemporáneo durante las últimas dos décadas, en las que las maneras de ver y percibir lo industrial han sido profundamente alteradas.

La exposición evidencia los diferentes elementos que se vuelven primordiales a la hora de explorar las dinámicas necesarias de los sistemas de producción capitalista. Compuesta por 18 obras, 13 creadores de diferentes nacionalidades que logran reflexionar sobre las consecuencias de los cambios en los regímenes productivos sobre los trabajadores, así como las transformaciones producidas en el ecosistema urbano y en la propia apariencia de las fábricas contemporáneas.

Esta exposición tiene videos excelentes, que plasman como la maquina siempre estará superada por el hombre, el vacío y el silencio que las fabricas contienen, la soledad, la quietud que la maquinas humanas adquieren al convivir en demasía con las maquinas tecnológicas. Al fin, la necesidad y co-dependencia del uno con el otro (maquina-hombre). Vayan a visitarla, vale muchísimo la pena.

Del 24 de octube al 14 de febrero de 2010.

Jazzercise- Antonio O´Connell en el MuAC

Como si no hubiera sido poco ver a Antonio O´Connell en el Ex Teresa Arte Actual, ahora se presenta en el MuAC con una de la mejores piezas y reflexivas que haya visto en mi trayecto con el arte contemporáneo, y más allá del contemporáneo, O´Connell es un visionario que logra desglosar y desdoblar cualquier objeto que se le presenta enfrente, una mente genio, con el don de ver y sentir cualquier pieza de la vida cotidiana y llevarla a un punto tan artístico, arquitectónico y con un enorme peso social; eso, penetra en la reflexión desde lo más exquisito como la música, hasta un análisis sobre la necesidad de reciclar, reutilizar y reanudar la circulación de lo cotidiano convertido en verdadero arte. Una pieza realmente poética.

Su nombre “Jazzercise” proviene de ese ejercicio reflexivo, con diferentes fines. Uno- rearticular con los materiales de desecho, generados por la Universidad Nacional Autónoma de México, una estructura poética que resignifique el potencial estético de éstos mediante la ocupación de los espacios de tránsito y descanso del museo. Dos- Se fue dibujando en la mente del artista mientras tomaba forma con piezas que fueron parte de la vida cotidiana, por lo tanto toma la misma estructura con el que la música Jazz comienza, el factor de la improvisación. Tres- Intenta reflejar a través del arte el sistema de consumo masivo que deviene en autodestrucción, como un virus que infecta estructuras y construye otras propias a partir de lo que estamos desechando. Concientiza a todo aquel que la ve y llena el espíritu de creatividad y felicidad por tener un mexicano tan creativo.

Del 17 de septiembre al 17 de enero de 2010

Wolfgang Laib- Pasotraspaso en el MUAC

Muy lejos de los materiales duros rígidos y sin espíritu, Wolfgang Laib medita y crea una nueva estructuración de mezclas que dan vida a piezas con cierta vibra natural que irradia algo mucho más allá de los materiales convencionales de construcción, cómo dirían los franceses, un je ne sais quoi muy especial.

Con materiales como miel, polen, leche, mármol, cera y arroz crea espacios de presencia mágica generada por los materiales a los que recurre, productos de gestación natural y de enorme pureza que alcanzan incluso a simbolizar el concepto espiritual de lo puro, y apelan, tanto al entendimiento, cómo a nuestros sentidos, no solamente al visual, sino al táctil y al olfativo.

El proceso creativo de este artista se realiza en los entrecruces donde se encuentran Oriente y Occidente, lo abierto y lo cerrado, lo sólido y lo líquido, lo masculino y lo femenino, el yin con el yang. Sus obras exploran vivencias que resultan ajenas a la cultura occidental y propician una experiencia más profunda al guiar nuestra mirada hacia ámbitos meditativos.

Del 29 de agosto al 22 de noviembre de 2009- MuAC UNAM

Abe Atri- Dysfunctional Fun

La energía es parte vital de este proyecto, asentando su esencia en la naturaleza y en la tecnología que llega a plasmarla. Revela la deficiente o "disfuncional" belleza del consumismo, la tecnología de baja calidad fotográfica - en concreto de los celulares, para qué, de esta forma, nos demos cuenta de la espontaneidad y don de improvisación que hemos perdido con la tecnología, y a la vez, que hemos adquirido con los dispositivos móviles que forman parte de nuestra vida cotidiana.

Abe tiene un interesante trabajo en donde las nuevas formas con esencia en lo básico, dan paso a sincronías muy interesantes. Asistan a su exposición del 5 de Noviembre al 5 de Diciembre de 2009.

Carta Editorial

Queridos lectores de CassetteART, perdón por mi ausencia. Me fui a New York en busca de arte nuevo para este blog, pero sobre todo para mi. Necesitaba inspiración, imágenes, un aire nuevo; pero desgraciadamente no lo encontré. Por lo contrario, entré en un conflicto más profundo con el arte. Es más, me cuestioné si mi verdadera vocación es esto. Me dio una crisis muy rara, simplemente sentí que el arte se alejó de mi. Siempre he sido amante del conceptual (que esta muy de moda por allá y en el mundo en general) por lo que no le pude echar la culpa a el, luego intenté que el culpable fuera New York, pero más tarde me di cuenta de que es una simple crisis personal por la cual todas las profesiones, no solo el arte, deben de pasar, y creo que el cuestionarse y formularse esa serie de preguntas es muy bueno para mejorar y generar una mejor comunicación personal. No se desanimen quienes estén en las mismas. :)

Como sea que haya sido mi crisis... disfruté mucho de los museos, galerías y el arte callejero. En especial disfruté el MoMa. Y por ello pedí un permiso de prensa para traerles lo que yo pude ver por allá. Me da mucho orgullo decirles que conté más de 16 piezas que yo ya había visto antes en México, en La Fundación Colección Jumex, MuAC y el Museo Rufino Tamayo. Felicidades a México por que no estamos en el nivel de arte que creemos estar. Todo lo contrario. Solo falta creer más.

Les dejo los siguientes artículos esperando los disfruten mucho.

“Mural calle Houston, Os gemeos”

MoMa- New York City

Los americanos me parecen muy divertidos, muy buenas personas, y claro, como solo ellos saben hacerlo formaron el MoMa. Este museo Newyorkino es una nave espacial contemporánea jajaja, no tiene ni inicio ni final, es como infinita, pero no deja de ser un museo, y un museo que sorprende con mucha luz e impresionantes obras que forman parte fundamental de la historia del mundo. Desde Jackson Pollock, Basquiat, Picasso, Duchamp, Roy Lichtenstein, Warhol, Magritte, Paul McCarthy, (no el Beatle) Isa Genzken, Richard Hawkins, Martin Kippenberger, Jeff Koons, Sherrie Levine, Cady Noland, Marcel Odenbach, Jack Pierson, Franz West, and David Wojnarowicz, Gustav Klimt, entre muchos otros.

La exposición que más me gustó dentro de sus muchas salas, fue Compass in Hand: Selections from The Judith Rothschild Foundation Contemporary Drawings Collection. Esta exposición, de hecho, la mayor exposición de dibujos montada en el MoMA, dispone de 300 obras de más de 150 artistas de esta colección y muestra los distintos métodos y materiales dentro de los estilos de abstracción gestual y geométrica, representación y figuración, y los sistemas basados en los dibujos conceptuales.

Esta exposición habla, primero y como lo más importante sobre la vitalidad del dibujo hoy en día y la documentación como el resurgimiento de la importancia de los medios para la practica del arte contemporáneo durante las últimas dos décadas.

El reciente trabajo en la exposición sugiere un nuevo enfoque para trabajar en papel, o más bien, el papel como material reconfigurado, con técnicas de ensamblado, asumiendo un papel más importante. Para entender esta actividad reciente, algunas trayectorias históricas se establecieron: una a través de obras figurativas, y las otras obras a través del abstracto, minimalismo , y trabajos conceptuales.

El título, “Compass in Hand” se refiere a la ambición de la exposición en la exploración geográfica y el descubrimiento(la brújula de navegación) Y su atención a los modos de hacer las cosas. Esa toma de decisiones artísticas que van marcando el curso del arte. (la brújula como instrumento de redacción). Un completo retorno a la narrativa y la figuración.

Estas son fotos de la exposición:

- Esta es la colección del Museo -

Kandinsky en la Guggenheim Collection

Una de las cosas que más disfruté en mi estancia en NY fue la invitación de la Guggenheim Collection a su Press preview de la exposición de Kandinsky, festejando el cincuenta aniversario de la colección.

Kandisky desde su primer etapa, hasta su último momento, así cronológicamente por los hermosos pasillos de este edificio. Una sala dedicada a sus dibujos a lápiz, que no es muy común verlos, composiciones llenas de color, música por dentro, y todo esto combinado con la iluminación del museo que es perfecta. la curaduría impecable y un trato a prensa genial.

Kandinsky pintó mundos desconocidos, propios, tan complejos, que llegan a un punto donde dejan descifrar su funcionamiento y quien es quien dentro del cuadro.

Nada de lo que pueda decir al respecto les explicará lo que fue. Este video habla con detalle de todo lo que Kandinsky es para esta colección, no se lo pierdan, véanlo, vale muchísimo la pena.

- Video click aquí -

Taxidermia- Angela Singer y Polly Morgan

Nunca he hablado de la taxidermia (den click) en CassetteART. Es un tema difícil, todo lo relacionado con los animales y justicia. Pero si nos ponemos a pensar esta practica nos ayuda a conocer a los animales después de su muerte, nos ayuda a conocer animales que tal vez jamás conoceríamos y sin necesidad de que estén en un zoológico vivos. Su muerte sirve para el estudio y la ciencia, y bueno si a todo esto le agregamos el factor arte los resultados son inexplicables. Por ello decidí buscar a mis 2 artistas taxidermistas favoritas. Ellas son...

Angela Singer por lo contrario siempre se sintió sorprendida al ir a casa de conocidos y ver que hubiera animales disecados en la sala. No por el animal muerto, sino por la indiferencia que muestran las personas ante esto. Así que realizando una especie de critica sarcástica sobre la indiferencia ante la muerte animal ha realizado su obra buscando la exaltación de este animal muerto, dándole el valor que realmente merece, el respeto y denotando que encuentra bellaza y horror en ellos. Belleza en el animal, y horror en la forma en que fueron asesinados.

Polly Morgan es britanica, su amor por los animales y su deseo de preservar su último aliento la llevo a la taxidermia, aunque ella en realidad va en contra de de la taxidermia y su teoría de dar vida, ya que no busca revivir a los animales por medio de esta, sino que prefiere acentuar su culminación, poniéndolos en la posición en la que estaban instantes ante de su muerte.

Angela´s work:

Polly´s work

Ariel y su Figure-1

En trazos ligeros pero concretos, los rostros de personajes muy específicos se ven interpretados por los dibujos de Ariel. Cada uno de sus retratos mezclan la armonía del negro con cualquier otro color, limpios, simples, son obras muy simpáticas, tiene el don de saber componer grandes ideas con pocas palabras y trazos. Ariel, filósofa, amante del dibujo, vive en Brooklyn y tiene un blog lleno de sus obras. Visítenlo.

www.figure-1.com

Daniel Firman

Un puñado de diferentes propósitos, mensajes que se lanzan al vacío, y no se si son felicidad o tristeza, si son fríos o calidos. Pero es tal la incógnita generada que me encanta lo que siento. Daniel Firman; uno de los más grandes artistas plásticos contemporáneos. Loco, fanático de la instalación, reta a las nuevas propuestas, busca integrar al mundo del arte su delirante pasión por el neon, desafía las leyes de la gravedad, y ¿por qué no? Coloca un elefante en medio de la sala. Cuando se cree que Firman terminará una figura geométrica perfecta, la sella con un toque diferente y característico. Cuando crea una escultura humana y se cree que la cara nos expresará las sensaciones reales tras la obra, simplemente la cubre. Así es Daniel F. Chequenlo.

En pocos días...

Amigos de CassetteART, en pocos días les tengo una sorpresa. Este blog abrirá una nueva puerta, ya les contaré!

Esperenlo...

Tamara Lempicka en el Palacio de Bellas Artes

Constructivismo, cubismo y futurismo podríamos decir que son las influencias del Art Deco. Elegante y sofisticado estilo que nadie lo entendió tan bien como Tamara Lempicka. De belleza excepcional y estilo teatral estudiado, ella era físicamente lo que deseaba encontrar en sus modelos, pintura y hasta su hogar.

Su percepción de la belleza femenina son mujeres con hombros fijos, fuertes, muy voluminosas y de estilos muy parecidos.

Rusa de nacimiento, vivió en París, New York y murió en Cuernavaca. Tamara fue una importante precursora de este movimiento, demostró la perfección de una técnica única basada en el análisis de las sombras, las luces, y de los rostros retratados, así como las emociones de sus protagonistas. Impresionante manejo de colores, estilos y estética. Todo esto junto con una curaduría impecable, mágica y enigmática.

El Palacio de Bellas Artes como recinto de esta exposición magnifica y engrandece tal como se merece Lempicka y su importantísima aportación a la plástica de la historia moderna.

No se pueden perder por nada del mundo esta recopilación de obra del Deco en la Ciudad de México

Museo del Palacio de Bellas Artes

(muchas gracias por el permiso de fotografía que me fue otorgado para que todos ustedes conocieran la exposición)

Mexican candy shop

Franz West- Elefante Blanco

El que conoce el humor de Woody Allen es probable que al llegar a la exposición de West se sienta totalmente identificado con ese humor acido, directo, que cala, pero a la vez, que gusta.

Sin ninguna intensión de ser obras bonitas, por lo contrario, intentan cuestionar lo patético con lo tierno, la bellaza de la fealdad y las similitudes del arte con la vida cotidiana; el título de la exposición alude a algo excesivo, o de una acción que va más allá de los limites razonables.

A Franz le interesa que el público interactúe con su obra con el fin de saber hasta donde se involucra el espectador, física y psicológicamente, con el arte.

La idiosincrasia de cada individuo queda al descubierto ante su respuesta a la participación y cautela con la que se aproximan al arte. Hemos puesto al arte en un puesto tan divino y sagrado que somos incapaces de adoptarlo como algo cotidiano y muy nuestro. Esa es la idea que esta exposición grita, tratando de corregir los conceptos artísticos a algo más mundano y real.

Museo Tamayo, hasta el 13 de Septiembre de 2009.

www.museotamayo.org

Pedro Cabrita Reis- La línea del volcán

En el más puro y desinteresado ejercicio de contemplación, la instalación "La línea del volcán" es digna de análisis y reflexión. Realizada con materiales de construcción como puertas de madera, vigas, objetos encontrados, refleja que la construcción es sinónimo de la especie humana, el porqué todo hombre necesita la delimitación de un terreno para mostrar su postura al mundo. En definitiva un lienzo tridimensional que brinda una nueva sensación en el arte.

Museo Tamayo, hasta el 15 de Noviembre de 2009.

www.museotamayo.org

Cildo Meireles en el MuAC UNAM

En el trastornado mundo en el que vivimos, divertido pero trastornado, el hombre ha inventado diferentes sistemas de manejo para regular en perfecto orden nuestra existencia. El dinero, el gobierno, la comida empacada, los accesorios, las casas, las proporciones y dimensiones; todo, tiene que ser de cierta forma. ¿Qué pasa con un artista que realiza un análisis poético de la sociedad? rompe todas las normas de lo que "esta prohibido decir" y "prohibido mostrar". Eso es lo que realiza Cildo, cuestionar los viejos conceptos que envuelven el arte, como las nociones de público y los espacios para los que el arte está predestinado, incursionando en las instalaciones y en la búsqueda de diferentes materiales que permitan al espectador tener nuevas experiencias sensoriales.

El valor del arte es un factor de análisis muy importante dentro de su obra, así como los mensajes sociales políticos. Utilizando envases retornables a los que les imprimía textos criticando el sistema social. Creo billetes con valor de cero pesos, sellaba los billetes con frases, o incluso amontonó 10 000 cruceiros (moneda de Brasil) y como pieza de arte lo vendía en 100 000, de esta forma cuestionando lo anterior dicho. ¿Cuál es el valor del arte?.

La exposición es un paraíso sensorial, pasando desde la habitación roja que es muy agresiva, hasta una instalación donde te quitas los zapatos y caminas en la oscuridad por un material sorpresa (vayan, no les diré que es, pero es aterrador). La instalación de mayor impacto y de una composición exquisita, es la que les pongo aquí en video. Una de las más mágicas experiencias que haya vivido con el arte.

Les garantizo que esta es una de las mejores exposiciones a nivel mundial que no se pueden perder por ningún motivo, es divertida, aterradora, analítica, grande e impresionante.

Que orgullo que en el MuAC sea lo que es, del 04.07.09 al 10.01.10

Simone Decker

En la simplicidad de un chicle halló la estética y lo artístico. La elasticidad, colores y texturas fueron representadas de tal forma que es como si pudiéramos oler los sabores de estos. Definitivamente un artista con una enorme visión y trayectoria artística. Ojala pudiera entender a la gente que no ama el contemporáneo, o que simplemente no lo entiende, y creo que estas piezas son un perfecto ejemplo de lo que la gente diría “¿Qué coño es esto? Y yo les puedo decir que si viera estos chicles en las calles de Venecia lloraría de la sensación que me produce el conceptual. Y es que el conceptual radica en una ironía representada con un gran sentido crítico y todo su peso recae sobre la capacidad de análisis de cada uno. Ah y es enormemente colorido y divertido a mi gusto.

Simone Decker de 41 años tiene tantas intervenciones callejeras en su haber, así como instalaciones de gran importancia para el contemporáneo en museos como en el Centre Pompidou de Paris, Tate Modern Gallery de Londres, entre otras. Actualmente vive en Frankfurt aunque nació en Luxemburgo.

Chequen las fotos de Chewing in Venice

Fuegogratis en Laboratorio Arte Alameda

El urbanismo aguarda tantos misterios que el arte contemporáneo se ha ensañado con su análisis y representación por medio de todas las disciplinas, análisis y puntos de vista. Jordi Colomer es responsable de una de las aportaciones estéticas más significativas; los límites entre la ficción, arquitectura y creación en un telón imponente y ficticio. El urbanismo como el responsable de lo que somos.

Sus videos filmados en ciudades que contrastan del todo ayudan a una aportación más aguda de la realidad mundial, buena, pero también, rodeada de incongruencia y aberración.

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Síntomas y huellas, video realizado por Enrique Méndez de Hoyos se encuentra en la Sala E, mostrando las cicatrices que dejan los momentos traumáticos, la distorsión de la mente entre lo real y lo soñado. Tlatelolco como escenario, y Zemmoa como protagonista.

Visiten el Laboratorio Arte Alameda, es un recinto único en su especie, visionario y estéticamente hermoso

www.artealameda.bellasartes.gob.mx

Petit Mal- Muac UNAM

¿Cuantos adjetivos calificativos voy a utilizar en su descripción? Fue lo primero que me pregunté cuando fui a ver esta exposición, Desde su imponente principio, hasta el último rincón del techo; literal hay una pieza- instalación hasta en el techo traslúcido de la azotea. Un viaje por las dudas de la mente y sus momentos de recesión. Alejandra Labastida realiza un cauteloso y estudiado sentimiento curatorial que transmite esos momentos de perdida de memoria donde no se sabe si la mente fue desde el inicio hasta el final o si fue de la sensación de paz al miedo.

Invita a la reflexión sobre los mecanismos de vida empleados, los cambios evolutivos hombre-ciencia, y el análisis de la desfragmentación del tiempo, en los muchos tiempos en los que nos encontramos a cada momento. ¡Es verdaderamente alucinante!.

Petit mal es una colectiva internacional que reflexiona sobre los dispositivos de producción, administración y control del deseo presentes en la sociedad de consumo; que afectan la forma en que construimos nuestra subjetividad, y en la posibilidad de desafiar estos mecanismos.

Artistas: Chico MacMurtrie, Rubén Ortiz Torres, Gilberto Esparza, Ge Jin, Diego Gutiérrez, Michael Landy, Simon Penny, Heidi Kumao, Francis Als, Eduardo Meléndez, Alex Dorfsman, Gustavo Artigas.

Ubicación: Muac UNAM (Museo Universitario de Arte Contemporáneo) Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario.

Lunes y Martes cerrado

Proyecto Axolotl- Muac UNAM

¿Por qué un hombre llega a obsesionarse en una investigación de tal forma? Esto sucede cuando algo es peculiar, y el ajolote es un animal peculiar en el sentido de que puede alcanzar la madurez y reproducirse en la fase de renacuajo, o larvaria, de la metamorfosis de los anfibios. Esto quiere decir que es como si una mariposa pudiera vivir toda su vida en la etapa de capullo y hasta reproducirse sexualmente. Posiblemente esta etapa permanente brinda otro tipo de estado mental y físico, alguna sensación o energía que investigándola explicaría por que aparte de esta gran incógnita el cuerpo del ajolote explica el cuerpo del ser humano.

Durante su estancia en el lago de Pátzcuaro en 1986, el artista sueco Ulf Rollof (1961) entró en contacto con los ajolotes, interesándose de inmediato por estos exóticos anfibios cuya anatomía encerraba misterios y mitos locales. En un intento por descifrarlos, realizó una disección. Este acto despertó en Ulf el deseo de corresponderles y por comunicar a los ajolotes la anatomía del ser humano, creó una serie de dispositivos acuáticos que a base de luz posibilitaría la comunicación con los ajolotes.

“Cosí un pedazo de tela siguiendo la forma de las pieles de animales cuando se ponen a secar. Me cubrí con él sosteniéndolo con un cinturón de seguridad. Lo cubrí con látex mezclado con sulfuro para resaltar el hermoso e intenso color amarillo limón” (Ulf Rollof: comentario sobre el proyecto).

De ahí nació el Proyecto Axolotl, que involucró un modo más social, más participativo, multidisciplinario, y desde luego inteligente, y que marcaría un significativo parteaguas en la trama artística nacional. El ajolote, que es un símbolo tierno del vínculo animal-humano, tal y como las culturas precolombinas llegaron a identificarlo: con la tenaz metamorfosis de una deidad en un trance de salvación. También manifiesta el presagio donde las criaturas humanas y su hábitat tendrán que evolucionar veloz e inteligentemente para postergar su desaparición.

Como en una elipse con vértebras mitológicas, retornó desde Suecia a su lugar de origen este serpentino dispositivo de reflexiones, emisor-receptor de datos, y de celebración escultórica. Curador: Guillermo Santamarina

Ubicación: Muac UNAM (Museo Universitario de Arte Contemporáneo)Insurgentes Sur 3000 Centro Cultural Universitario.

Lunes y Martes cerrado

El Ciler

Es muy difícil hablar del Ciler, por eso no lo había hecho antes. Y es que  los artistas que logran reflejar o transmitir tanto con sus creaciones son difíciles de escribir, no sabes por donde empezar, ni como enlazar todas las idea que te van surgiendo.

Creo que el arte contemporáneo actualmente se encuentra dividido en dos importantes ramas. Una es, brillantes ideas tecnológicas, que no hacen a los artistas verdaderos artistas involucrados con la plástica, sin embargo lograr transmitir. Y esa es la misión principal del arte. Por lo tanto no dejan de ser arte. La otra es los verdaderos artistas plásticos, que se regocijan en talento, técnica y composición ,y así, es como logran fantásticos resultados en el arte. Ciler es la combinación perfecta de estas dos vertientes . La mezcla de una brillante idea y un gran artista plástico.

Utiliza recursos como la lasergrafía, estilógrafo, madera,  serigrafía y acrílico. Ha expuesto en Barcelona, México y ahora esta a punto de ser expuesto en Basel Suiza por medio de la galería Nina Menocal. Chequen su trabajo…

www.cil3r.blogspot.com

Fifty24SF Galería en Upper Playground

Máximo- magnético.- Gerardo Yepiz Acamonchi (Ensenada, Baja California, México 1970) Artista visual y diseñador gráfico influenciado por la cultura de las patinetas, el punk, la música electrónica, el graffiti, el arte postal y la vida en la frontera México-Estados Unidos presenta un conjunto de obras que exploran la superposición de color y textura mediante la utilización de serigrafía, esténcil, dibujo y collage. Una serie de imágenes que a primera vista nos refieren a composiciones abstractas llenas de ritmo y color, pero que, al observarlas a detalle, nos revelan un mundo de barroquismo iconográfico pleno de referentes urbanos y generacionales.

Connect de Carolina Fontoura.- Artista multimedia Mexicana-Brasileña basada en Denver, Colorado que trabaja en una variedad de medios como la escultura, pintura, grabado, fotografía, diseño grafico, y diseño de moda. Para esta exposición creo piezas hechas de partes recicladas de bicicleta. Las obras son principalmente lámparas funcionales que varían en tamaño y forma y que toman su inspiración de los candelabros victorianos. El resultado es una reinterpretación de la elegancia resultado de DIY (do it youself), cultura bicicletera y  conciencia ecológica. 

Amatlan 105 colonia Condesa, México D.F.

George Lowe

La niñez marca una etapa muy fuerte de nuestras vidas, es capaz de decidir nuestros rumbos, ideas, miedos, fijaciones, placeres… cosas muy pequeñas o insignificantes pueden impactarnos más que a otros. Para mi siempre fue una incógnita y algo mágico que los caracoles guardaran el sonido del mar y hasta la fecha no entiendo por qué me obsesionan tanto las manos frías.

George Lowe  tiene una infancia definida por viajes en carretera, vacaciones familiares, contacto con las texturas de las ciudades y la naturaleza, se ve definido en su arte un extenso vocabulario visual complejo y variado, incluyendo la topografía aérea, los círculos que forman las cosecha, carreteras, y paisajes urbanos tridimensionales. La iconografía es secreta y hermosa, indefinible. Los dibujos map-like de Lowe no se planean; cada uno se desarrolla en sus propios términos. Seguramente no entiende por que, hasta la fecha, no puede dejar de caminar sin tocar las texturas de las cosas…

Los dibujos de George Lowe están en colecciones permanentes como el  High Museum of Art, Atlanta, GA; CNN/Turner Broadcasting, Atlanta, GA; así como varias colecciones privadas. 

Más info, click here

Homenaje a Pita Amor

Pita con un solo poema logró cautivarme. Palabra por palabra se volvian más y más  fuertes , poderosas; y lo más importante, palabras que jamás se olvidan. Dense la oportunidad de conocerla quienes no la conozcan, y los que disfruten de ella y su poesía vayan a su homenaje. 30 de mayo, Foro Pita Amor, en Dinamarca #5o Ciudad de México a las 6:00 de la tarde. 

Más info aquí (click image to enlarge)

The travels of bad

Soy verdaderamente adicta a las instalaciones, y estas en especial me parecen una joya, juegan con la música, la maldad, la bondad, el resurgimiento, el miedo, el poder y la gloria. La exposición documenta los recorridos de un héroe maquiavélico idealista, con guitarra en mano, en una cruzada para revitalizar las artes del capital de la cultura del mundo. Aprovisionado de combustible por medidas iguales de optimismo y de hedonismo ocultos, la búsqueda para nuevas ideas y sabores exóticos lleva a nuestro héroe a un ajuste ficticio del paraíso donde esta tragedia satírica extraña de la acción comienza literalmente a desenredarse. 

La galería Rooke alberga este ambicioso proyecto que no solo cuenta con las instalaciones, sino también una mini novela que relata el cuento del malo (persona principal) y sus recorridos, 17 trabajos fotográficos,  un cd, entre otras cosas. 

Zander Blom es el responsable de esta creación, tiene 27 años y obviamente un futuro que marcará pasos en el mundo del arte. 

La galería esta en Johannesburgo si quieren visitarla den click aquí 

Marc Johns

Crea dibujos caprichosos llenos de ingenio y humor seco. Es un hombre con las ramas fuera de la cabeza que necesitan ser podadas urgentemente. Sus caracteres son simples; dibujado escaso, apenas algunos movimientos de la pluma y un estilo muy singular. Encontrar el humor en cosas lleva a menudo a encontrar la verdad, y eso es lo que pretende con su provocación. Se nota su gusto al crear situaciones absurdas, combinando las cosas que no pertenecen juntas, o se imagina objetos inanimados hablando.

Me encantan sus dibujos simple con un mensaje irónico o sin sentido. Son de esas pequeñas cosas de la vida a las cuales le encuentras el gusto. Digamos que no es como ver el mar, pero es como cuando se ama tomar leche directo del bote sin que nadie te vea. 

www.marcjohns.com

Maleonn

Con proyectos muy interesantes en su haber  Maleonn tiene la habilidad de crear mundos imaginarios donde la belleza caricaturizada se vuelve una de sus características. Nació en Shanghai, y por supuesto, sus influencias artísticas son toda esa belleza de China; mujeres originarias, fantasía, mucho color, vestuario, etc.

Encuentro en su fotografía muchos mensajes que descifrar, y algo que me cautiva y me interroga es la repetición de objetos pero en diferente orden. Si analizan las fotos encontrar muchos de los elementos repetidos. 

Esta serie de fotografías llamadas Days on the Cotton Candy, estructuran el poder de los sueños y el creer, la fe y la autonomía del pensamiento para crear miles de posibilidades en un mismo espacio y con los mismos elementos. Díganme que opinan 

Zona Maco 2009- México

Definitivamente la semana que más espero del año es la semana en la que se desarrolla Maco, no solo por reunir a más de 900 artistas de 80 galerías de 19 países en la Feria de Arte Internacional más importante de México y Latinoamérica, sino también por las fiestas que realizan. Todas las galerías abren sus puertas con nuevas exposiciones, se lucen relamente ante todos los galeristas que alberga nuestra ciudad en el desarrollo de esta hermosa feria.

Es por eso que Cassette Art esta semana tiene tantos artículos nuevos, los cuales espero disfruten tanto como yo. Toda la semana por la malvada influenza todos los museos estarán cerrados así que espero poder llevar el arte a su hogar y entretenerlos con esta enorme variedad, TODO EXPUESTO EN MEXICO.

Retomando el tema Maco, este año, al igual que los años pasados la feria me dejo fascinada, excelente variedad de expositores, organización, tendencias, lugar y horarios. El arte conceptual en su máximo esplendor, es impresionante la cantidad de conceptual que se esta produciendo alrededor de todo el mundo. También mucho arte decorativo, si no es que casi todo. Piezas muy elaboradas, de gran detalle y precisión. Y lo más interesante de todo esto es la oportunidad de visitar en un día tantas galerías de todo el mundo en un mismo lugar, la oportunidad de ver que esta pasando con el arte en todo el mundo. Para todos los que no pudieron ir les dejo muchas imágenes. 

Opinen que les parece lo que se esta produciendo.